Предложения по участникам конкурса "Признание, гордость, почет" / Суслов Николай Николаевич. Российский ювелирный бренд

Суслов Николай Николаевич – художник, ювелир, эмальер, родился в городе Кострома в 1941 году. В 1967 г. окончил ММТ им. Ф.Э. Дзержинского по специальности «Техник-технолог по металлу». В 1969 г. окончил отделение подготовки мастеров при МВХПУ (б. Строгановская).

Работал в экспериментальном творческо-производственном комбинате «Русский сувенир» и Федоскинской фабрике миниатюрной живописи. Работы Суслова вызвали восхищение самой английской королевы.
В творчестве Николай Суслов отдавал предпочтение старинной русской ювелирной технике (горячие перегородчатые эмали), также работал в техниках: скань, филигрань, монтировка, чеканка.

Участвовал в российских и зарубежных выставках. Его произведения находятся во многих государственных музеях и частных коллекциях мира.

 

ОТЗЫВЫ О Н. СУСЛОВЕ Из книги 

Гилодо Андрей Акимович

Историк, археолог, искусствовед. Советник директора Всероссийского музея декоративного музея по вопросам комплектования фондов. Заслуженный работник культуры РФ, член Национальной организации экспертов в области искусства (НОЭКСИ), эксперт при Международной Конфедерации антикваров и арт-дилеров России и СНГ, эксперт Министерства культуры РФ, член Федерального экспертного совета при министерстве промышленности и торговли по традиционному искусству (НХП), член международной ассоциации арт критиков (АИКА). Член Экспертной комиссии Московского антикварного салона с 1994 г. по настоящее время. Эксперт Российской ассоциации международного сотрудничества (РАМС). Автор и куратор свыше 50 выставочных и конкурсных проектов, в том числе международных. Автор книг, каталогов и статей на тему русского прикладного искусства.

Эмаль

Эмаль – сияющая, красочная, нежная, изысканная, – в руках художника способна на самые неожиданные превращения. Искусство эмали можно сравнить с живописью импрессионистов: столь лирично и тонко эмаль может передать настроение художника.

Искусство эмали насчитывает более двух тысячелетий. Богатая цветовая палитра эмали делает ее притягательной для художников декоративно-прикладного искусства.

Среди тех, кто внес свой вклад в развитие искусства эмали, интересен российский эмальер Николай Суслов. Его вклад в развитие традиций русского эмальерного искусства с каждым годом становится всё более очевидным.

Горячая эмаль всегда считалась технологически сложным материалом, и любое изделие с ее применением приравнивалось к драгоценностям. По своим свойствам она сопоставима с драгоценными камнями, однако возможности, которые она предоставляет, значительно шире. Круг мастеров, работающих с горячей эмалью, был всегда ограничен, а их заказчиками на протяжении истории были представители высших слоев общества.

В основе эмали лежит стекло, и эти свойства эмали, как стекловидной массы помогают добиться такого зрительного и художественного впечатления, которого не дает никакой другой традиционный материал. Через искусство эмали художник создает новую образную систему, ищет индивидуальные и современные решения, делая искусство эмали актуальным, интересным и востребованным в XXI веке, созвучным ему.

При виде конечного результата, в работах Н. Суслова всё кажется легко и просто, но технология эмали с ее многочисленными обжигами, высокой степенью капризности материала ставит перед художником очень непростые задачи, одна из которых – проблема колористики. То, что делает Николай Суслов в искусстве эмали, достойно глубокого уважения, и с каждым годом его творчество становится более осознанным, выстроенным и вызывает значительный интерес у художников и публики. В последние годы оно стало заметным явлением, событием и предметом серьезной аналитики искусствоведов и арт-критиков.

Мало кто из художников может сказать, что внес нечто новое в старинный жанр искусства, причем в такой устоявшийся жанр, который уже имеет свою систему стереотипов восприятия. Николаю Суслову это удалось сделать. Для своего творчества он выбрал тему флористики. Источник его вдохновения – природа, частью которой является человек. В творчестве Николая Суслова прослеживаются традиции русского ювелирного и эмальерного искусства XVIII–XIX веков, а также начала XX века. Наследие прославленной фирмы Карла Фаберже дает импульс и работам этого художника. Ювелирные изделия, арт-объекты, панно позволяют Николаю Суслову максимально использовать рафинированность эмали для реализации замыслов своих работ.

Творчество Н. Суслова наилучшим образом способствует созданию имиджа России, как великой культурной державы, о котором так часто говорят в последнее время. В две оценочные категории – национальное и живое культурное наследие – вписывается художник-эмальер Николай Суслов. И круг тех людей, которые это понимают и осознают, будет только расширяться, подобно тому, как в начале XX века деятельность двух ведущих ювелиров – Овчинникова и Фаберже – была осознана русским обществом, как национальное явление, как явление всероссийского масштаба. Также и творчество Николая Суслова может восприниматься современниками на уровне национального достояния современного декоративно-прикладного искусства России.

Касторская Татьяна Михайловна

Кандидат искусствоведения, член Союза художников России. С 1972 г. по 1991 г. – научный сотрудник Костромского музея изобразительных искусств. С 1991 г. по 2008 г. – на должности доцента художественно-графического факультета Костромского государственного университета. С 2008 г. по 2011 г. – директор выставочного зала Костромского отделения Союза художников России. С 1983 года – участник всероссийских, республиканских, региональных и областных выставок.

Соавтор издания «Костромской областной музей изобразительных искусств» (1984 г.) и альбомов Костромского областного отделения Союза художников России (2004, 2013, 2019 гг.). Автор монографии «Гимн Борисович Губочкин» (2020 г.).

Дипломант Союза художников России (2005 г.). Награждена благодарственными письмами Костромской областной думы (2007, 2009 гг.), почетными грамотами и благодарственными письмами департамента образования и науки Костромской области (2008, 2009, 2010 гг.). В 2014 году удостоена серебряной медали «Духовность. Традиции. Мастерство» ВТОО «Союза художников России».

Вокруг цветов

Древние греки считали цветы звездами, упавшими на землю. О самых красивых слагали стихи, о самых недолговечных – легенды. Сколько бы ни прошло тысячелетий, и как бы ни менялся мир, цветы остаются символом нежности, любви, верности, женственности и хрупкой красоты.

Персональная выставка художника-ювелира Николая Суслова – этому подтверждение. На выставке «Времена года», проходившей в течение трех месяцев в музее «Губернский город Кострома» в конце 2015 года, экспонировалось более пятидесяти произведений мастера, выполненных в технике горячей перегородчатой эмали с применением мельхиора и нейзильбера.

Всё в этом мире переменчиво, как и в природе, – цветы рождаются, цветут и умирают. Однако в этом ярком калейдоскопе жизни остаются произведения, созданные человеком под непосредственным впечатлением от природы, являющейся эталоном красоты.

Передать эту красоту, вдохнуть жизнь в холодный материал, будь то холст, дерево или камень, – великая задача художника, его миссия на земле. А вот оценят ли его творчество современники и потомки – другой вопрос. Решение его упирается в бесконечный труд, и мастерство, и, конечно, в первую очередь, – в профессиональное владение выбранной техникой.

Николай Суслов за свой долгий творческий путь работал в различных художественных техниках, ибо образование, полученное им в МВХПУ – бывшем Строгановском училище, способствовало этому. Однако в итоге мастер отдал предпочтение одной из них – горячей перегородчатой эмали.

Чтобы понять сложность этого художественного метода, выбранного Николаем Сусловым, необходимо обратиться к истории. Самые древние изделия с эмалью найдены археологами в захоронениях этрусских правителей во II веке нашей эры. Технология была вновь воссоздана римлянами и доведена до совершенства византийцами.

Еще позже украшения с эмалевыми вставками довольно часто стали рассматриваться как самостоятельные произведения искусства и нередко изготавливались не для ношения, а как «объект для витрины», или почти музейный экспонат. В эпоху Возрождения знаменитый итальянский художник Бенвенуто Челлини проявил большой интерес к технике нанесения эмали и даже подробно описал ее в одном из своих трудов. После этого об эмали на несколько веков забыли, а вспомнили лишь в конце XIX века в связи с интересом к «преданьям старины глубокой». И хотя патент на эту технику приобрел известный ювелирный дом Boucheron, многие производители XIX – начала XX века как за рубежом, так и в России, ощущая огромный потребительский интерес, стали работать в этой технике, усовершенствуя и дополняя ее.

Николай Суслов, для которого художественная сторона работы важнее практической значимости готового изделия, в какой-то мере повторяет путь предшественников и чаще, чем ювелирные украшения, делает нечто, предназначенное для созерцания. Большим достижением мастера являются его технологические новшества. Не надо забывать, что художник создает свои незабываемые произведения в обычной мастерской, где трудно экспериментировать с высокими температурами, необходимыми при обжиге, ибо многослойная эмаль требует неоднократного, многочасового технологического процесса. Художнику даже пришлось модернизировать существующую серийную муфельную печь.

Все сложности и особенности в выполнении произведений очевидны и видны подчас только специалистам и ювелирам. Зрители могут лишь догадываться о них, восхищаясь легкостью и воздушностью флореальных композиций, которые почти все посвящены одной теме – скромным полевым растениям и цветам средней полосы России. Названия панно – «Поздняя любовь: вьюнок и хатьма», «Последнее фуэте: герань луговая и трава», «Незабудка, клевер и одуванчик», «Лето: лютик луговой и флора», «Жизнь кислицы», «Весна: фиалка собачья», «Осенний квартет: хатьма, чистотел, кислица и василистник» – передают то состояние цветов, в котором застал их пытливый взгляд художника, созвучный настроению самого человека. Художник решает труднейшую задачу: через художественный образ обыденных вещей – увядших цветов, жухлой травы, через их неброскую красоту, передать совершенство природы, где нет ничего лишнего, где всё подчинено общей гармонии. Эти фиалки, незабудки, примулы, выполненные в металле, не увянут никогда. Пусть они лишены запаха, но есть цвет, который подвластен художнику. И здесь мастерство эмальерного художника проявилось смело и неординарно. Именно в природе он увидел разнообразие цвета, где почти нет открытых ярких пятен и оттенков, всё строится на полутонах.

Как же порой сложно подружить жесткость металлической конструкции и нежность цвета! Необходимо обладать мастерством скульптора, не ошибиться в конструктивном решении композиции, ее размере. В решении этих вопросов добрую службу оказывает автору первое профессиональное образование, полученное в ММТ им. Ф.Э. Дзержинского по специальности «техник-технолог по металлу». Ювелир Суслов не работает с драгоценными материалами и камнями, но его объемные эмали не уступают по яркости и силе цвета настоящим хризопразам и аметистам. Работы художника не живописны в обыденном понимании этого слова, то есть в них отсутствует буйство цвета, они, скорее, по сути своей, графические. А если мастеру в процессе работы не хватает цветовой насыщенности, он прибегает к росписи по эмали.

Панно, обрамленные в рамы на фоне черного бархата, завораживают. Их хочется рассматривать как скульптурное произведение – объемно.

Опять мастер заимствует этот прием у природы, где не существует плоскости, где всё окружено светом и воздухом.

В связи с этим можно говорить о большой профессиональной школе, которую прошел художник. Николаю Суслову это сделать было не легко, он был единственным неслышащим выпускником по избранной специальности как среднего, так и высшего Строгановского училища, которое он окончил. Талант ученика уже тогда был отмечен преподавателями вуза. Стоить сказать, что именно в стенах этого старейшего в стране художественного учебного заведения (1895 г.), в уставе которого был узаконен принцип необходимости совмещения теоретического и практического обучения, им были приобретены первые навыки художника декоративно-прикладного искусства.

Как собственно ювелир, Суслов выступает на выставке с серией гарнитуров и комплектов, созданных в излюбленной мастером технике – горячей перегородчатой эмали. Это вещи, на первый взгляд, простые, но настолько обаятельные, что от них невозможно отвести взгляд. Те же растительные мотивы, но выполнены они по другим композиционным законам, с доминантным акцентом на крупных цветах. Раскрывающиеся бутоны имеют динамичную форму, они будто тянутся друг к другу. И трудно представить, что этот букет – творение рук человеческих. Например, многофункциональный комплект «Кувшинка», куда вошли колье, серьги, кольцо, браслет, из которого можно составить самостоятельные гарнитуры, уместные как в будни, так и в торжественных случаях.

Еще одной особенностью отличаются ювелирные украшения художника от его флореальных композиций. Если в цветочных дизайнерских композициях угадывается затаенная грусть увядания и обреченности, то здесь – величие живой красоты, над которой время не властно.

Цветы, без преувеличения, самое желанное украшение для женщины. Живые или искусно сделанные, они оживляют любой наряд и способны изменить не только ее настроение, но и отношение к себе. Бывает достаточно правильно подобранного украшения, чтобы погрузить человека в совершенно новые эмоциональные переживания. Ощутить это помогают и фотографии женщин в ювелирных украшениях, созданных Николаем Сусловым, представленные на вернисаже.

Важно отметить, что те немногочисленные персональные выставки ювелира, которые проходили за последнее время в Костроме, являлись крупными событиями в художественной жизни города, привлекая многочисленных посетителей. Персональные выставки Николая Суслова проходили также с неизменным успехом в выставочных залах Москвы и Рязани и всегда продлевались по просьбе зрителей. Его произведения хранятся в частных коллекциях и музеях России, Венгрии, Германии, Голландии, Египта, Польши, США. Несколько работ ювелира были отобраны для подарков главе Советского государства и королеве Великобритании.

Экспозиция «Времена года» явилась образцом художественного вкуса. В организации выставочного пространства: подборе работ для выставки, их оформлении, подсветке, грамотном этикетаже, умной аннотации, музыкальном оформлении, экскурсионном сопровождении – чувствовалось присутствие добрых помощников. Оригинальность произведений Николая Суслова, их красота помогают приблизить человека к его среде обитания. Мастерски выполненные, они свидетельствуют о незаурядности дарования автора, что не должно остаться неоцененным современниками и потомками.

Пешехонова Лариса Николаевна

Искусствовед, ведущий научный сотрудник Музеев Московского Кремля, хранитель коллекции ювелирного искусства XX–XXI веков Музеев Московского Кремля.

Член Московского союза художников. Соавтор каталогов «Русские классические традиции в современном искусстве “Сирин”» (2007 г.), «Элегантность и роскошь ар-деко» (2016 г.). Автор каталога «Произведения художников-ювелиров Москвы XX – начала XXI века» (2019 г.). Куратор многих выставок, член жюри конкурсов ювелиров различных уровней.

Неповторимый стиль Николая Суслова

Увидеть мир в одной песчинке

И Космос весь – в одной травинке!

Вместить в ладони бесконечность

И в миге мимолетном вечность!

Уильям Блейк

Стихотворные строфы английского поэта и художника эпохи романтизма Уильяма Блейка не единственные в череде многочисленных поэтических ассоциаций, возникающих при созерцании удивительных образов полевых и луговых цветов, созданных художником, ювелиром и эмальером Николаем Николаевичем Сусловым. Судьба мастера и история его необыкновенной коллекции – украшений, панно и интерьерных композиций с эмалевыми цветами – совершенно особенные.

С младенчества полностью утративший слух в результате болезни, Николай Николаевич Суслов живет и работает в мире неизбывной тишины. Однако он сумел добиться больших успехов в разных областях деятельности, став даже серебряным призером в эстафете 4 × 100 метров в легкоатлетической программе на Х Всемирных играх глухих, проходивших в 1965 году в Вашингтоне. Вместе с тем именно творчество стало для Николая Николаевича той благословенной путеводной звездой, которая ведет его всю жизнь. Сначала это были занятия рисунком и живописью в детской художественной школе, затем учеба в Московском машиностроительном техникуме на технолога по обработке металлов, а в дальнейшем – знаменитая Строгановка. Там в 1969 году Николай Николаевич окончил отделение подготовки мастеров по граверным работам, а в 1974 году получил диплом художника декоративно-прикладного искусства по работе с художественными изделиями из металла, дерева и других материалов. В 1970 году созданный им гравированный браслет демонстрировался на Всемирной выставке «Экспо–70» в Осаке (Япония). Работу, выполненную на втором курсе, – чеканный кубок, сделанный по одному из произведений Оружейной палаты Музеев Московского Кремля, – комиссия училища рекомендовала поместить в музей вуза, а несколько позже этот предмет был отобран для официального государственного подарка, преподнесенного королеве Великобритании Елизавете II.

Более четверти века, с 1974 по 2000 год, Николай Николаевич работал художником-ювелиром на разных предприятиях: Экспериментальном творческо-производственном комбинате «Русский сувенир», в объединении «Росмонумент -искусство» Московского специального управления и на Федоскинской фабрике миниатюрной живописи. В 1976 году еще одно изделие мастера – плакетка с изображением Московского Кремля, выполненная в технике горячей перегородчатой эмали и помещенная на папку, – стало также подарком на высшем уровне, на этот раз генеральному секретарю ЦК КПСС Леониду Брежневу к его семидесятилетию. Этот факт интересен тем, что в семидесятые годы, когда многие художники только начали изучать классические эмальерные технологии, Николай Николаевич уже хорошо владел одной из них. Именно тогда он стал создавать свои украшения с эмалевыми цветами и впервые показал их в 1978 году на Осенней выставке произведений московских художников. Начиная с 2000 года, когда мастер стал заниматься независимой творческой деятельностью, он сосредоточился на создании своих уникальных флореальных композиций.

Карьера Николая Николаевича была успешной, об этом свидетельствуют многочисленные выставки и награды. Так, например, в 1976 году на конкурсе, организованном Всесоюзным центральным советом профессиональных союзов, за уже упомянутую плакетку «Московский Кремль» он получил премию, а в 1989 году – диплом участника Всемирного фестиваля изобразительных искусств глухих художников, проходившего в Торуне (Польша). Следует отметить, что работы на экспозицию фестиваля выбирало Министерство культуры Польши. В 2004 году Николай Николаевич был удостоен первого места Международной премии «Филантроп». Произведения автора с большим успехом демонстрировались и в России, и за рубежом, в частности, на Международной художественной выставке глухих художников в Пярну (1991, Эстония), Российско-американской выставке глухих художников в Рочестере (1993, США), Выставке произведений художников-инвалидов России в Брюсселе (1994, Бельгия), Выставке изобразительных искусств России в рамках фестиваля «Неделя глухих» в Нью-Йорке (1994, США). Это далеко не полный список: с 1970 по 2020 год в творческом арсенале художника – сорок семь выставок, семь из которых персональные, и семь наград. Его оригинальные произведения находятся в музейных и частных собраниях России, Великобритании, Германии и США. Подчеркнем, что на выставке в Национальном техническом институте глухих (National Technical Institute for the Deaf) в Рочестере фондом этого учебного заведения были приобретены все девять экспонировавшихся работ художника.

Сегодня в значительной коллекции Николая Николаевича Суслова, созданной им более чем за сорок лет, около шестидесяти произведений. Они представляют собой полноценную тематическую музейную экспозицию, которую, как одну из персональных выставок автора, можно было бы назвать «Элегия цветов».

Наиболее ранними по времени создания являются колье, серьги и кольцо «Незабудка», представленные в настоящем издании. Гарнитур, ставший «первой ласточкой» будущей большой темы, демонстрировался на выставке 1978 года в Москве, в 1989 – в Торуне, а также на многих других выставках. В 2002 году он был приобретен президентом Международной ассоциации эмальеров Гертрудой Ритман-Фишер. В этих украшениях уже проявилась зрелая художественная концепция автора. Она прослеживается в решении образа, в передаче ощущения первозданной красоты цветов, в их графической и пластической выразительности, построенной на гармоничном балансе между деликатной стилизацией и реалистическим отображением естественных природных форм, а также в скрупулезных ювелирных методах работы. На них хотелось бы остановиться несколько подробнее.

Николай Николаевич, с детства влюбленный в природу, чтобы как можно точнее передать скромное обаяние растений средней полосы России, осторожно и методично их исследует как инженер. Штангенциркулем он производит тщательные обмеры изменяющегося в диаметре стебля, листьев, цветов, бутонов, семенных коробочек. В связи с этим на его эскизах множество пометок, фиксирующих изменения толщины стеблей, дифференцированный колорит листьев, цветов и так далее. То есть чисто рациональный подход вкупе с трепетным отношением к прообразу и профессиональное владение ювелирными технологиями позволили мастеру найти свой неповторимый стиль, основанный на технике горячих перегородчатых эмалей.

Обращение к этому способу художественной обработки металла у Николая Николаевича связано с Государственным историческим музеем, когда известный искусствовед Марина Михайловна Постникова-Лосева занималась в фондах музея с художниками и показывала древнерусские предметы, созданные в этой технике и по преимуществу украшенные драгоценными камнями. Средневековые предметы изготовлены из золота и серебра, произведения Николая Николаевича – из нейзильбера. В определенном смысле избранные им средства художественной выразительности демократичны и минималистичны по отношению как к историческим памятникам, так и к изделиям современных мастеров. В настоящее время, когда многие российские художники, получив лицензию, имеют возможность работать с драгоценными металлами и камнями (что было невозможно в Советском Союзе), у Николая Николаевича такой необходимости нет. Драгоценными являются созданные им композиции, в которых выверена каждая линия, каждый цветовой аккорд. Наряду с произведениями, где эмаль занимает первостепенное место, как, например, в сете «Калужница болотная» (2000), «Водокрас лягушачий» (2002), «Чистотел обыкновенный» (2004), проникновенностью образов обладают практически монохромные работы из металла, в которых эмаль не применяется. Такова лаконичная композиция «Сухая трава» (2004). Стройное серебристого цвета растение, высотой сорок пять сантиметров, состоит из двадцати четырех отходящих от стебля разновеликих по длине и конфигурации небольших отростков, метелочек. Большинство из них заканчивается удлиненными и заостренными семенными коробочками. Невольно ловишь себя на том, что вновь и вновь в сознании рефреном звучат слова Блейка: «… и Космос весь – в одной травинке!..»

Из технико-технологических особенностей горячей перегородчатой эмали Николай Николаевич извлекает максимальный эстетический эффект. Ведь как нельзя лучше этот прием подходит для передачи фактуры листьев – напаянные на ребро металлические перегородки подобны рисунку прожилок. Во многих работах мотив листа мастер использует как главный образ, буквально нюансируя живописно-пластическое решение каждого листочка. Колье «Вероника весенняя» (2003) выполнено в виде выложенных по абрису шейного украшения стебельков растения: небольших, слегка изогнутых, с множеством маленьких резных листочков. В центральной части колье спускающиеся справа и слева веточки находят друг на друга, образуя букет с тремя крохотными сиренево-желтыми эмалевыми цветочками. Всего в декоре предмета мастер использует двенадцать семенных коробочек, выполненных из металла, и двадцать три разновеликих эмалевых листочка, колорит которых варьируется. У основания стебля, образующего форму колье, листья насыщенного цвета морской волны, в середине они светло-зеленые, а ближе к краям – светло-коричневые. Глубина цветового тона также изменяется и в листьях букета. Так в своих произведениях Николай Николаевич передает не только красочную гамму живой материи, но и блики солнечных лучей, эффекты светотени, запечатленные на глянцевых поверхностях эмалевых растений.

Средства художественной выразительности, найденные мастером в ювелирных украшениях, приобрели ассоциативно-образную глубину в настенных панно и отдельно стоящих композициях, которые воспринимаются как своеобразные картины и миниатюрные скульптуры. По закону жанра и в соответствии с эргономикой функциональные предметы имеют выраженную условно-декоративную интерпретацию, тогда как неутилитарные произведения дают больший простор для самовыражения автора. Пожалуй, в этих работах полно и емко проявилась поэтика языка цветов, лирика и философия творчества Николая Николаевича, а также высокий профессионализм художника-ювелира и эмальера.

Неизменно эффектные произведения художника, с замечательной пластикой стеблей, резных эмалевых листьев и цветов, вызывают целую гамму чувств – ощущение непреходящего очарования природы и вместе с тем недолговечности жизни растений, радости восхищения их красотой и грусти их увядания. Кажется, поэтические строки Сергея Есенина выражают лейтмотив этих композиций Николая Николаевича: «…Все мы, все мы в этом мире тленны, / Тихо льется с кленов листьев медь... / Будь же ты вовек благословенно, / Что пришло процвесть и умереть». Панно «Осенняя грусть: клен» (2012) буквально перекликается с есенинскими строфами. Это очень смелое, мастерски сформированное и безукоризненно выполненное произведение. В фокусе внимания художника не только свежие солнечно-зеленые листочки клена, но, прежде всего, крупные охристо-огненные «рваные» листья и голые ветки. Тщательность построения всей композиции и каждого отдельного элемента, соотношение выразительного графического рисунка и великолепных цветовых аккордов эмали производят сильное эмоциональное впечатление. Композиция воспринимается одновременно камерной и монументальной, сокровенно-личной и обобщающей некие непреложные законы жизни. Близка по состоянию, но менее драматична работа «Первый день зимы» (2014) с одиноким и прекрасным охристо-зеленым кленовым листом на фоне опустевших без листвы веток. Философический акцент присутствует и в мажорной, нарядной композиции «Жизнь печеночницы» (2008). Ее распахнутые сочные листья на волнообразно изогнутых стеблях словно подпружинены воздухом, восемь голубых мелких цветочков с желтой сердцевиной и шестью тычинками будто тянутся к солнцу. Растение дано в пору своего цветения, кульминационный момент его бытия. Вместе с тем на одном из листьев мы видим опавший голубой лепесток, рядом с белой вазой их два, а на стеблях виден уже рваный край одного из листиков, другой, уже почти увядший, с согбенным стеблем лежит у подножия вазы. Немецкий философ-материалист Людвиг Андреас Фейербах писал, что «в быстро вянущих лепестках цветка больше жизни, чем в грузных тысячелетних глыбах гранита».

Характерной особенностью видения художника является индивидуальный подход к каждому растению, отношение к цветку или веточке как к индивидууму, обладающему своим неповторимым образом. Показательна композиция «Лист пиона» (2007), в которой стебель цветка был удостоен чести быть изображенным «собственной персоной», без цветка. Его ветви грациозны, листья многоцветны – зелено-красно-коричневые с желтым. «Ветвь клематиса Жакмана» (2008), стоящего в прозрачной узкой вазе, имеет другой характер и стать. Это высокое, сорокашестисантиметровое, растение, стебель которого слегка изогнут, отходящие в стороны побеги с глянцевыми листьями цвета свежей зелени подобны взмаху крыльев, а великолепная темно-сиреневая эмалевая головка цветка с серебристыми прожилками буквально царит в композиции. Импозантная крупная «Орхидея Фаленопсис» (2008) представляет собой длинную, дугообразно изогнутую в верхней части, сорокавосьмисантиметровую ветку, на которой асимметрично и живописно расположены бело-розовые эмалевые цветы с темно-вишневыми сердцевинами, полураспустившиеся бутоны с тонкой дифференциацией цвета от серебристого к розовому и бледно-розовому, а также завязавшиеся почки и бутоны, выполненные из чистого металла.

Вазы, в которых стоят «растения», Николай Николаевич подбирает готовые, многие цветы не закреплены в них стационарно, поэтому можно формировать букеты, каждый раз создавать новые образы, меняя колористические, фактурные и, соответственно, эмоциональные акценты. То есть творческий процесс происходит так же, как если бы цветы были собраны на лесной поляне или на лугу. Так, например, композиция «Сухая трава» (2007), о которой речь шла выше, воспринимается совсем иначе в букете с желтым и солнечным «Лютиком луговым» (2006), бледно-бело-бордовой «Гвоздикой забытой» (2008) и красной «Геранью лесной» (2007). Именно в таком сочетании перечисленные растения были изображены на обложке буклета, посвященного творчеству Николая Николаевича, – «Эмаль как зеркало растительного мира». Один из членов жюри престижной Международной премии «Филантроп – 2004», Николай Георгиевич Прохоров очень точно охарактеризовал мир самого художника: «В работах мастера, каким является Николай Суслов, присутствует глубокое художественное содержание. Он показывает пластику металла. Удивительные свойства – теплота и нежность, покой и равновесие, изящность и грациозность – всё это сливается в единый неповторимый образ, созданный трудом и талантом непревзойденного мастера-ювелира».